César Paternosto: un artista del margen

Si uno ingresa, desde el sábado, al Centro de Arte, encontrará, entre obras de César Paternosto, un lienzo blanco donde lo único pintado son los bordes. Es, de alguna manera, casi un manifiesto de una carrera que vivió al margen: el artista platense, nacido en 1931, fue abogado para el Grupo Sí, platense para el Di Tella, latino para Nueva York, y desde esa orilla construyó una obra orillera, hecha de búsquedas que rompieron el molde.

La retrospectiva “La imaginación geométrica”, que abre sus puertas mañana en la sala ubicada en 48 entre 6 y 7 y que se podrá ver hasta el 24 de abril (de lunes a viernes de 8 a 20), es un recorrido por esos márgenes, por esas búsquedas unificadas por el afán de búsqueda y, como dice el catálogo de la muestra, “una convicción: que el mundo puede ordenarse de otro modo”.

La exposición se compone de tres partes: en la vidriera y en la sala B del Centro de Arte tiene lugar la retrospectiva del artista que, curada por Natalia Giglietti, reúne más de seis décadas de producción y propone una lectura situada de la abstracción en América Latina; en el patio Julieta Lanteri del edificio de Presidencia de la UNLP se presenta “Investigaciones tectónicas” (2026), una instalación de sitio específico, producida por el artista; en el Museo de La Plata, en el Paseo del Bosque, obras de Paternosto se exhiben en diálogo con piezas de la colección. Y, en el marco de todo esto, Paternosto, que viajó a la Ciudad desde España, donde vive, recibirá hoy en la Facultad de Artes el título doctor Honoris Causa.

“Con mi ciudad natal, todo ocurre en un ámbito irreal”, se ríe Paternosto, en diálogo con EL DIA. “En 1958 me recibí de Abogado, aunque ya cuando estaba estudiando descubrí que no era lo que quería hacer en mi vida. Hoy expongo una obra, ‘Investigaciones tectónicas’, en el que era el patio de la facultad donde estudiaba. Es un círculo, es volver a los orígenes. Por eso me ha hecho tan feliz”.

Paternosto vuelve en la charla a esos orígenes, y revela que estudió Derecho “por descarte. A mi los profesores de Arte me ponían 10, pero a ninguno se le ocurrió decirme que fuera a Bellas Artes. Y después vinieron los bailes, la juventud… y así fui a parar a Derecho. A los 19 años uno no sabe bien qué quiere. Recién los 25 entré en crisis”.

Esos bailes de juventud lo marearon y le hicieron olvidar cómo “de chico había aprendido, por mi cuenta, a dibujar, pintar con óleo”. En crisis tras terminar la carrera, decidió volver al arte. Empezó a ir a Bellas Artes, a ver las clases de profesor Héctor Cartier, “una bisagra en mi vida: no nos ponía delante de una estatua para dibujar, daba un curso de visión elaborado en base a los textos del Bauhaus, algo súper avanzado para ese momento. La escuela parecía un mini Bauhaus en un edificio clásico, académico, vetusto”. También tomó clases con Jorge Mieri, quien le indicó que jugara “con las sombras”, de “atender a lo que se desplaza, a lo que no ocupa el centro”. Empezó a formarse el artista que buscaba romper el molde: mientras trabajaba como abogado para ganarse el pan, “en el arte fui encontrando una libertad”.

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Encontró al Grupo Sí, y comenzó su aventura en el informalismo, que rechazaba la forma y la estructura tradicional, abrazando la abstracción, el gesto espontáneo y el uso creativo de materiales heterogéneos. Lo arrimó al grupo Alejandro Puente, “y me lancé con ellos. Fue un momento de experimentación, nos sentíamos vanguardistas. Pero el grupo se empezó a disolver y yo, intuitivamente, sentí una necesidad de americanizar lo que hacía, porque esas vanguardias venían de Europa”.

Ya sentía, dice, “un rechazo al imperialismo”: influenciado por el poeta peruano César Vallejo en ese camino, comenzó a andar el camino hacia un arte del sur de América. Visitó el Museo de Ciencias, donde se exponen desde mañana sus obras, a ver la colección de arte precolombino. Se colocaban en esos años los pilares de su arte, que reconocía en la abstracción y la geometría una capacidad humana de inventar que viajaba desde tiempos remotos.

Esas primeras intuiciones en torno a la geometría y su potencia creativa comenzaron a dialogar con lo que ocurría en la escena del arte. “Toda la juventud se sentía por entonces identificada por el arte de vanguardia que venía del Di Tella”, relata Paternosto. También se encontraría en ese camino la obra del movimiento Madí, corriente basada en llevar al extremo los conceptos de “creación” e “invención”, con el fin de liberar la creación artística de las limitaciones “externas” a la obra misma y expandir todas las posibilidades que derivan de la continuidad de la obra de arte de la privacidad. En Nueva York, que se convertiría en su hogar desde fines de los 60, se promovía la misma liberación.

“Cuando se disolvió el Grupo Sí sentí una necesidad de americanizar lo que hacía”

- Viviendo en Nueva York viajó a Perú, donde se reencontró con el arte andino.

- En ese viaje encontré esculturas de los incas totalmente abstractas y geométricas, era algo increíble, ¿de dónde había salido ese arte abstracto del que nadie hablaba? No había nada escrito, había sido borrado como parte de la historia del arte abstracto. Así que estudié profundamente esas culturas. Para entonces, ya llegando a los 80, el arte había dado la vuelta: era el tiempo del posmodernismo, yo sentía un rechazo total, me parecía reaccionario. Y me refugié en el estudio, saqué un libro, ‘Piedra abstracta’, sobre la escultura de los incas.

- Hablando de esos años 80, usted estaba en Nueva York cuando el mundo del arte se estaba orientando al mercado. ¿Cómo vivió esos años como artista?

- Muy mal. Sentí que había una defraudación de esas ideas que uno tenía: yo venía de una cultura de ruptura, de buscar lo nuevo. Esto vino como un retroceso: era la superestructura del mercado neoliberal, que explotó con Reagan y Thatcher. El mercado del arte se infló y se pagaron millones por unas pinturas de mierda. Fue duro: yo era un artista profesional, si no vendía no comía. No sé cómo subsistí, vendía algo en Latinoamérica, siempre aparecía algo… Enseñé un tiempo. Sobreviví, pero fue duro, sobre todo por el viraje que había dado el arte, se dejó de hablar de arte y se empezó a hablar de precios.

- Estaba en el margen, pero un poco estuvo siempre en el margen. Y tiene obras que transcurren en el margen. ¿Se ve como un artista del margen?

- El arte es un misterio, pero yo creo que por eso, de alguna manera inconsciente, fui llevando el arte al margen. En la época figurativa se iba a copiar, el tema estaba propuesto, variaba pero estaba propuesto. Pero en el siglo XX todo ese canon explotó, y uno queda en el aire… y va tomando cosas de todos lados. Así que llevé la pintura al margen: conscientemente, quiso proponer una nueva lectura del cuadro, porque lo que flotaba en el aire en Nueva York era llevar el arte a sus últimas consecuencias. Yo la llevé al borde, al muro. Y evidentemente estaba retomando lo que había visto en ese viaje andino que hice a fines de los 70: más marginal no hay, en América latina y en el mundo, era todo un arte abstracto que había sido olvidado. Es algo que ocurre en todo el mundo, en Oceanía, en las culturas orientales, encontramos que la geometría tenía en el arte una carga simbólica que Occidente, con su fuerza, con su razón, puso al costado: hablaban de decoración… Así que creo que había una consciencia, o una subconsciencia, de la marginalidad.