La que cambió su nombre y su visión sobre la pintura

Por MARCELO ORTALE

Fue a Brasil hace años con su nombre original, Viviana Pichtownikow, ya reconocida como pintora. Asegura que sigue siendo la misma, pero que evolucionó. Ahora volvió a la Argentina y se llama Vivi Nikow. “Tengo un nuevo nombre y una nueva visión sobre la pintura”.

Su carta de presentación dice: pintora, artista plástica, casada con un conocido baterista, madre de una fotógrafa, hija de un pintor ruso, nieta de una pianista. Hace años fue distinguida en Europa y en nuestro país por sus 400 pinturas naifs. Pero luego transformó su estilo varias veces, modificó sus técnicas y ahora pronto expondrá su última producción en el centro cultural Malvinas.

Nikow vive en una increíble casa ubicada en el corazón de una manzana céntrica de La Plata. Una casa de 1920 poblada por sus cuadros, sus tallas y esculturas. Y por un mobiliario de estilo variado, aluvional, siempre pintoresco.

Una casa parecida a “La Sebastiana” -la de Pablo Neruda, en Valparaíso- que obliga a recorrerla como espectador, deteniéndose ante cada espejo creado por ella, ante un bar rojizo en el umbral de la cocina, donde se puede ver un bajomesada vidriado y, al otro lado, en el living, frente a una biblioteca valiosa que viene del abuelo, algunos aparatos de radio de la década del ´20 y más allá un taller maravilloso con mesadas cubiertas de pinceladas de óleo o acrílico, el taller donde da clases a sus alumnos todos los días.

“Yo respiro con esto. Me muero si no pinto. Necesito pintar”, dice esta mujer que, cuando llega la creación, puede estar más de catorce horas diarias frente a la obra que va creando. “A veces el cuadro quiere mandarse a si mismo, como que quiere independizarse. Pero entonces ahí lo peleo, le digo por dónde tenemos que ir...”

Hay un mural gigantesco pintado por ella, de más de 6 metros de ancho, en el Museo de Arte Naif de lÍle de France, en Vicq, a pocos kilómetros de París. Sus obras también se encuentran en el Museo de Arte Naif de Jaén, España, en museos del interior provincial (el Muma de Junín, el de Artes Visuales de General Belgrano) y en colecciones privadas de nuestro país, Brasil, Canadá, España, República Dominicana, Francis, Italia, Alemania o Sudáfrica.

Pinturas de Nikow ilustran numerosos libros de cuentos y poesías, libros escolares, tapas de discos. Interviene como jurado en salones y como curadora de exposiciones. Todo lo dice con voz pausada y segura. “Fui famosa cuando fui naif. Vendía mucho. Pero cuando una etapa se termina, se termina para siempre. Yo soy como un cuentista. Mis obras son lo más parecidos a cuentos cortos. Tienen una idea conductora, un principio y un fin. Al dejar el naif, empecé otra vez de cero”.

Hija del pintor ruso Jorge Pichtownikow y de Magdalena Sar-Sar, pasó su infancia y juventud en Villa Elisa. Estudió el primario en el colegio San Francisco de esa localidad. Inició luego su formación artística en el Bachillerato de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata , para dar luego sus primeros pasos en la pintura a los 20 años después de caminar durante toda su niñez y adolescencia por la música.

Se casó con Guillermo Migoya, que fue baterista de Los Redonditos de Ricota, que estuvo en los inicios de la Age Music y tocó con Daniela Mércuri, Luis Caldas o Carlinhos Brown, entre otros. Todos los años lo acompaña en sus giras al Brasil.

Usted abandonó la pintura naif, que la hizo conocida, que le dio dinero y fama.

“Sí, tuve varias series después. Que las puedo medir por cantidad de obras. Mi período naif fue el más extenso, duró unos 400 cuadros”.

¿Podría explicar qué es el naif?

“Es la llamada pintura ingenua. Acá en la Argentina el principal pintor naif es Cándido López, el que pintó las batallas de la guerra de la Triple Alianza .O sea, es una escuela que viene del siglo XIX. El más importante representante extranjero de esa escuela es Henri Rousseau”.

A usted la contrataron desde Francia para hacer un mural naif...

“Si, fue la gente del museo de Vicq. Yo fui y sólo les pedí cinco colores y diez pinceles. Hice un cuadro con un motivo norteño, las típicas fiestas de Purmamarca, que representa la danza de las cintas. Así que llené de coyas a Francia”.

Después abandonó esa corriente y tuvo un período llamado erótico, de un erotismo muy expresivo. ¿Es así?

“Sí, claro. Es erotismo sexual. Esa serie duró unos sesenta cuadros y muy poco tiempo. Los habré hecho todos en 45 días. Son dibujos hechos a la tinta. Para mí habían empezado las series muy cortas”.

Hay otra serie suya denominada Semejanzas. Allí buscó marcar las invariantes existentes entre la población del Norte argentino con los habitantes de Bahía, en Brasil. Fue una búsqueda infrecuente, ya que, en principio, no pareciera que existieran similitudes entre ambos tipos de pobladores.

“Yo viví en Bahía entre 2004 y 2009. Y allá empecé a encontrar notables semejanzas de las llamadas bahienses del Acaraje -que son las que venden una comida de origen africano- con las coyas de nuestras montañas. Sabe, se siente mucho la influencia africana en Salvador de Bahía.y elaboré obras abstractas basadas en las divinidades afro-brasileras”.

Después está la serie llamada Transformaciones.

“Si, esa ya forma parte de una pintura no figurativa, que intenta plasmar mi historia y mis sentimientos. Hay dos elementos que resultan sobresalientes: las partituras musicales, que son como un guiño a mi primer amor que fue la música. Y las varas de mimbre, material que intenta simbolizar todas las incertidumbre del cambio. Transformaciones marca mi gran transformación en la vida”.

¿Qué significa pintar para usted?

“Para mí, pintar es respirar, es vivir. Me hace tan feliz. Y es también como una descarga. Cuando hablo con mis alumnos, pienso en eso. Pintar es trabajar en solitario. A veces el ansia de pintar me viene por una idea, por una palabra que escucho. Y hay que descubrir ese interior de uno para después arrancar”.

¿La hace feliz la pintura?

“Sí, y sobre todo la enseñanza. El taller, la relación con mis alumnos. Lo primero que busco es ayudar a liberar a la gente que viene a aprender pintura. No le diría nunca que me pintara esa jarra, si antes no sintiera esa persona la necesidad de pintar esa jarra. La enseñanza es valiosa cuando se imparte en ese momento en que la persona necesita pintar. Pero desde luego que hay que enseñar también la técnica de la pintura o del dibujo”.

La pintura sería entonces para mucha gente como una catarsis.

“Es exactamente eso, una catarsis. Una descarga liberadora”.

¿Cuáles son sus pintores preferidos?

“Ya nombré a Cándido López. Me gusta mucho Bottero, que también es naif. Me gustan los pintores del expresionismo alemán, Egon Schiele, Klimt. Me gustan también Paul Klee, Marc Chagall, Antonie Tapis. Este último me fascina. También son mis predilectos Fenando Fader, Raul Alonso, Eugenio Cuttica, Rogelio Polessello, y tantos otros que aportaron mucho en mi formación. En La Plata lo admiro, como pintor y como tipo a quien es el maestro, el vasco Alzugaray”.

¿El Estado argentino, puede hacer algo por el arte? ¿Hace realmente algo estructuralmente beneficioso o son siempre ayudas personales?

“Mi respuesta es una pregunta: ¿qué pasa con este país -de toda la vida, no hablo de este gobierno ni de otro en especial- que escupe a sus artistas para afuera? ¿Por qué no hay una política cultural seria, como en otros países? Me dicen los políticos: no es rentable. Claro, señores: no es rentable para sus bolsillos. Brasil, con su política cultural, hasta exporta su “producto”, es una entrada muy importante dentro de su economía. Falta que los políticos vengan a decirnos y bueno, trabajá de otra cosa...”

¿Usted hace algo para resolver esto?

“Estoy trabajando para que la ley de mecenazgo salga en la provincia. Tiene media sanción en Diputados, desde el año 2007. Esta ley, tal como está planteada, no es la ideal, creo que la de Brasil es más amplia, más popular. La que salió en Nación está restringida a una cantidad menor de artistas. Falta empuje político. Hay centros culturales que no tienen presupuesto. Deben autosustentarse. Es una locura. Vivimos en un país que en los sesenta fue parte de esa revolución que se respiraba en Europa. Eramos primeros en editoras de libros de habla hispana, la música empezó a tener su propia identidad, los pintores y escultores se reunían en grupos de creación. Fue una explosión. Ahora es triste. Desde el Estado no hay apoyo”.

¿Cómo califica a la enseñanza del arte en los primeros niveles de la educación?

“No tengo mucho contacto con las escuelas, pero sé por madres de chicos en edad escolar, que el arte es una materia menor, si es que tienen esa materia. No hablo sólo de plástica, también de música. Pero claro que esto se debe a que toda la educación decayó, además supongo que deben hallar que el arte es un aspecto menor en la educación, casi como , en otras épocas, manualidades o cocina. Toda expresión es valiosísima en el desarrollo de un niño. El arte abre cabezas. ¿Será justamente por eso?”

¿Para un pintor es importante leer? ¿Usted lee?

“Yo no intelectualizo mi arte. Pero eso no significa que no me guste leer. Hace un tiempo quedé totalmente impresionada con La inmortalidad, de Milan Kundera. Desde luego me gustan mucho los escritores latinoamericanos, García Marquez, Isabel Allende, Angeles Mastretta”.

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Los artistas suelen sobrevivir de la frágil estabilidad del arte. Apuestan a ella y queman sus naves todo el tiempo. La recompensa la encuentran en un color, en una forma lograda. Estas palabras las dice Viví Nikow, que las respalda con su ejemplo. Fidelidad a la identidad de su arte, a la mejor manera de expresarse en cada etapa de una vida que está en plena producción. Pronto, el 15 de marzo, volverá a presentar sus nuevas obras en el Centro Cultural Malvinas. Y después nacerá otra historia, otra nueva serie.