Pérez en La Plata: “Los recitales son calientes porque somos transparentes”

Tras un 2017 movido entre disco nuevo (“Caracas”) y presentaciones, Pérez realizará esta noche su primer show en la Ciudad y el segundo de la temporada ‘18 desde las 21, cuando salgan a la cancha en Brothers, el bar ubicado en 55 entre 10 y 11.

Para el reencuentro con la gente de su pueblada, el ahora quinteto local preparó un set list con los temas clásicos de sus cuatro discos publicados, aunque en versiones nuevas tras el cambio de formación, y también una serie de nuevas composiciones que serán parte de su próximo trabajo. A lo mejor, claro, porque, explica Ramiro Sagasti, voz y guitarra del combo, fiel a la filosofía fundacional de la banda, compartirán los temas “antes de que la cosa esté totalmente consumada”.

Con esa idea de hacer y no darle tanta vuelta al asunto nació Pérez hace 10 años. Sagasti se había quedado sin grupo cuando fue invitado por el batero Martín Lambert y Matías Zalabjáuregui, quien dejó la banda tras la grabación de “Caracas”, y la química fue inmediata. “Fue como cuando te das cuenta de que es ella al primer beso”, decía hace algunos años Zabaljáuregui, que andaba buceando en el jazz al igual que Lambert y, explica Sagasti, “a los jazzeros no les gusta demasiado ensayar, hacen un par de juntadas y salen a tocar”. Esa fue la idea con que surgió Pérez, aún cuando todavía no tenía nombre.

“Ni bien nos formamos empezamos a tocar: nunca fuimos una banda de intentar llegar a una excelencia en los ensayos, sino de salir a tocar y curtirnos en los escenarios. Todo lo contrario a lo que yo venía haciendo antes, le metía demasiada manija y no terminaba de armar nunca: pero cuando armamos Perez le idea era salir de una”, recuerda el cantante del quinteto. Un año más tarde, ya tenían su primer disco, grabado en dos días y mezclado en tres.

Y la energía de aquellos días, dice Sagasti en diálogo con EL DIA, regresó en “Caracas”, un disco “mucho más arriba” que “La hora de los pájaros” y “17 canciones para autopistas”, los discos anteriores de la banda tras el homónimo Pérez, de 2009. Todos, empapados de letras cargadas de añoranza y atmósferas melancólicas, en aparente contramano con el encendido, y muy bailado, show de Pérez en vivo.

“Los recitales son calientes porque si tenemos una característica es que somos transparentes: la melancolía es real, la alegría es real, no ponemos mucho filtro en la interpretación. Le escapamos a una actitud careta, hacemos lo que nos pinta. Como la mayoría de los artistas: todo el mundo busca despojarse de prejuicios, sacarse la ropa, desnudarse y ser bien transparente, y cuanto más transparente sos más conectás”.

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La transparencia brinda comodidad, libertad, sobre escena, y “entonces generás una conexión. Si vos no te entregas, es muy difícil que se arme, porque la estás careteando, no estás en una experiencia de comunicación”, agrega.

Pérez ha ido construyendo a lo largo de una década esa libertad, esa comodidad, sobre escena y en el estudio, animándose disco a disco a más exploraciones: “Caracas” es el quiebre de sonido más marcado en su carrera, con variedad de ritmos, otro tipo de percusión “cosas más latinas y afro”, reconoce Sagasti.

“Caracas” también marca una divergencia del sonido “rutero” de la banda... aunque ni este cronista ni Sagasti saben bien a qué se refiere esa etiqueta que le colocaron al combo platense tras “117 canciones para autopista”. “Caracas”, admite Sagasti, “se aleja un poco del sonido indie, aunque tampoco se bien qué es el sonido indie...”

“No se”, termina diciendo entre risas, excusándose porque no quiere “chamuyar”. “Capaz que alguien lo escucha también a ‘Caracas’ en el auto”

La ampliación de sonidos de “Caracas” y de lo que viene, que Sagasti dice será un paso más en la misma dirección, hacia el mismo vuelo, se encuentra íntimamente ligado con el laboratorio de Pérez, donde los autores de las composiciones son todos: los cinco miembros traen ideas, letras, y se trabajan en conjunto, aportando cada cual sus influencias, sus teorías, sus opiniones. “Es un cambio en lo que uno piensa que es la composición: para mi hay una equivocación en quién es el autor de las canciones. ¿Por qué la línea de bajo de ‘Under Pressure’ o la batería de ‘Sunday Bloody Sunday’ no son consideradas una composición? La composición en una banda se da cuando se mezclan todas esas cosas, el bajista propone una línea de bajo, la batería otra”.

“Después”, agrega sobre el método Sagasti, “más allá de que yo compongo la mayoría de las canciones, porque es mi rol, no es que me pongo en caprichoso: se cambian, algunas quedan en el camino, se usan partes... También viene alguien con una letra y le ponemos una melodía... A ese ejercicio le llamamos composición colectiva: la idea es que la canción identifique a todos, más allá de quién sea el autor de la letra o el compositor de la música. Preferimos que así sea para que sea un proyecto bien colectivo”.

El cantante explica que disfruta de “cranear” de cero la arquitectura de una canción, “pero eso es un interés personal. Si es una banda es mejor que sea de esta otra manera, funciona mejor emotivamente: todos se sienten parte”. Además, agrega que “me di cuenta que esperar que los demás hagan lo que uno quiere no sirve: todos tienen que hacer lo que les pinte, y si se arma se arma y si no se arma no se arma”.

Signo de los tiempos, “la salida colectiva” se da como respuesta a la profunda crisis del paradigma capitalista, opina Sagasti. “Se empiezan a dar nuevas maneras de supervivencia y de organización sociales que encuentran una salida colectiva”. Pero más allá de que desde grabar un disco a formar una discográfica todos pongan trabajo, materiales, tiempo y así consigan lo que no se puede hacer solo por cuestiones materiales, Sagasti dice que esta forma de hacer “es más linda, es mucho más rica, te aburrís menos haciéndolo de manera colectiva. Uno se aburre de uno mismo”.