“The Big Mountain”: una experiencia para abrir sentidos

“The Big Mountain”, una experiencia escrita y dirigida por Braian Kobla con la que, como en sus otras creaciones, se propone “abrir sentidos y no cerrar conceptos”, regresa a la cartelera para ofrecerse durante los sábados de noviembre a las 21 en Dynamo, 17 y 68. Las entradas están disponibles en Alternativa Teatral.

Kobla, prolífico y premiado dramaturgo y director, vuelve a poner el foco en el mundo tecnológico y mediatizado que parece producir, cada vez con más obstinación, entes en cadena que ven pasar sus vidas deslizando pantallas.

Escapando de clasificaciones y cruzando lenguajes, esta gran montaña de datos bien podría ser un laboratorio de imaginación social o un campo de batalla, como definen sus autores, pero también un recital de cuerpos, una misa lisérgica, una evocación errática y mucho más, o menos, según desde dónde y cómo se lo mire.

“The Big Mountain”, que fue parte del festival Aúra en 2021, tuvo en julio pasado una función en el Festival de teatro de Rafaela, y en agosto se estrenó en La Plata. Está protagonizada por Federico Aimetta, Juan Castiglione, Ilenia Contin, Valentin Prioretti, Ana Belén Recabarren, Agustin Recondo, Mariel Santiago, Denisse Van Der Ploeg y Manuela Villanueva Fernández, e incluye música de Juan Francisco Raposeiras y Francisco Villar; diseño de luces de Tata Laxague; y asistencia de dirección de Rafa Gigena.

Kobla, que en la fase 3 de la pandemia logró sacar el arte a la calle con “Mi parte es todo” (se estrenó en Plaza Belgrano en un formato que desafiaba al público a descubrir quién era intérprete y quién no mientras seguía el desarrollo de la historia a través de un audio de WhatsApp), dialogó con EL DIA sobre “The Big Mountain”, que continúa la línea de sus últimas creaciones.

-En tus últimas obras está latente tu interés crítico por la tecnología y cómo avanza en la sociedad. ¿De dónde nace tu interés por esta temática?

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-Me interesan determinados tópicos que tienen que ver con lo que nos pasa, y sobre todo cómo esos tópicos, que siempre están vinculados a lo social, afectivo y político, modifican y establecen fricciones en el proceso creativo. La intención es utilizar esos fenómenos actuales para pensarnos, ver cómo se establecen los vínculos de las personas que estamos en la obra, qué resistencias trae, cómo modifica a los cuerpos en escena y sobre todo cómo habitar determinadas contradicciones.

-¿Cuándo comenzó tu interés por esta forma de abordar lo teatral, desde el entrecruzamiento de lenguajes?

-Más que el teatro, me interesan los procesos creativos. Hace tiempo que intento correrme de algunos debates que tienen que ver con qué trabajos responden a lo teatral, qué a la danza o lo performático, y si lo que se está haciendo se puede nombrar de alguna manera acorde a determinados conceptos. El teatro admite todo, es una zona liberada, o por lo menos así me gusta pensarlo, y trabajar con otras disciplinas para ir detrás de un lenguaje determinado, es mi manera de vincularme con la práctica.

-Hay públicos que necesitan encasillar las obras en alguna categoría. ¿Qué te pasa con eso?

-Muchas veces nombrar algo como tal es potenciador y genera una afirmación sobre lo que se está haciendo y otras veces, es un ancla de la que luego no podés escapar. (...)Me parece que nuestro trabajo es abrir sentido y no cerrar conceptos.

-¿A partir de qué ideas/imágenes nace “The Big Mountain”?

-Las ideas e imágenes con las que dialoga la obra tienen que ver con dos libros de la artista visual y filósofa Hito Steyerl: “Los condenados de la pantalla” y “Arte duty free”, y también del libro “Desconfiar de las imágenes” de Harun Farocki. Lo que me interesó de Steyerl es la mirada sobre nuestras sociedades hipermediatizadas, y cómo la mente, las emociones y la creatividad tomaron el lugar del cuerpo como herramientas claves para la producción de valor.

Plantea la necesidad de rastrear qué nuevas formas de alienación han surgido en este contexto y cuál es el destino de la práctica y la imaginación política cuando las utopías y deseos colectivos se van desvaneciendo. Hay algo de esta mirada que utilizamos para detonar preguntas en relación a qué tipo de obra y desde dónde posicionarnos para actuar y enunciar la obra. Siempre intento traducir los temas en procedimientos y que los procedimientos devengan en lenguaje.

-La música en vivo es un plus.

-El rol de los músicos es fundamental. La propuesta fue que la música pueda devenir en otros aspectos técnicos. Por ejemplo, en determinadas escenas la música toma un rol dramatúrgico, en otras es estrictamente musical y en otras es más actoral. Hay un vínculo directo entre la actuación y la música y los cuerpos que ejecutan esa música. Lo mismo sucede con el trabajo audiovisual y técnico. Durante la obra están sucediendo dinámicas muy complejas entre dispositivos que se envían señales para que todo funcione. Hay una decisión en establecer un vínculo orgánico con la tecnología para lograr nuevos saltos poéticos.